Στο «Wolf» πρωταγωνιστεί ο Jack Nicholson ως κορυφαίος συντάκτης εκδοτικού οίκου της Νέας Υόρκης, ο οποίος δαγκώνεται από έναν λύκο και αρχίζει να μετατρέπεται σε λυκάνθρωπο. Πρόκειται για κατάρα ή για χάρισμα;

Η ταινία περιέχει τα περισσότερα από τα υλικά των παραδοσιακών ταινιών με λυκάνθρωπους. Μεγάλη σημασία αποδίδεται στην πανσέληνο. Η ταινία παρουσιάζει τη μεταμόρφωση του λυκάνθρωπου ως μια σταδιακή κίνηση προς μια πλήρη μεταμόρφωση σε λύκο. Παρουσιάζει επίσης την ιδέα ότι η λυκανθρωπία κατέχεται από πνεύμα λύκου, με τα αποτελέσματα της να είναι εμφανή τόσο σε μεταμορφώσεις, αλλά και σε επιθετική συμπεριφορά και πιο αιχμηρές αισθήσεις όταν είναι σε ανθρώπινη μορφή.

Το μακιγιάζ του Rick Baker θυμίζει το look του Henry Hull στο Werewolf of London (1935) και σίγουρα προσθέτει ένα στοιχείο ρεαλισμού στην ήδη χαμηλών τόνων χαρακτήρα της ταινίας. Το κυνηγητό και η θανάτωση του ελαφιού – που ξυπνά γεμάτο με φρέσκο αίμα – είναι μια ωραία άκρη για τη μακρά ιστορία των λυκανθρώπων που ξυπνούν χαμένοι στη μνήμη και μπερδεμένοι από την κατάσταση που επικρατεί.

.

Ο σεναριογράφος Jim Harrison εγκατέλειψε την παραγωγή λόγω δημιουργικών διαφορών με τον σκηνοθέτη Mike Nichols(Τhe Graduate 1967).  Μετά την εμπειρία του με την ταινία, ο Harrison αποφάσισε να εγκαταλείψει το Χόλιγουντ.

Η Mia Farrow είχε αρχικά υπογραφεί για τον ρόλο της Charlotte Randall, αλλά η Kate Nelligan τελικά πήρε τον ρόλο. Η Sharon Stone  απέρριψε τον ρόλο της Laura Alden, που τελικά υποδύθηκε η Michelle Pfeiffer. 

Τα γυρίσματα έγιναν στη Νέα Υόρκη, το Λονγκ Άιλαντ και το Λος Άντζελες. Οι εξωτερικοί χώροι για την επαρχιακή έπαυλη του Raymond Alden γυρίστηκαν στους κήπους Old Westbury στην κομητεία Nassau της Νέας Υόρκης. Τα εκδοτικά γραφεία του Will Randall βρίσκονται στο Bradbury Building στο κέντρο του Λος Άντζελες, μια τοποθεσία που χρησιμοποιείται συχνά σε ταινίες.

Η ταινία γυρίστηκε από τις αρχές Απριλίου έως τα τέλη Ιουλίου του 1993. Η κυκλοφορία της καθυστέρησε για έξι έως οκτώ μήνες, προκειμένου να ξαναγυριστεί το κακώς αποδεκτό τέλος. Οι λύκοι εκπαιδεύτηκαν επαγγελματικά από υπαλλήλους του Thousand Oaks, των Animal Actors of Hollywood της Καλιφόρνια και του Palmdale, του Performing Animal Troupe της Καλιφόρνια.

Ένα πονηρά αστείο και άγρια ρομαντικό θρίλερ . Συμπρωταγωνιστούν οι James Spader (TV's "Boston Legal", Sex, Lies and Videotape), Kate Nelligan (The Prince of Tides), Christopher Plummer (The Sound of Music) και David Hyde Pierce (TV "Frasier", Sleepless in Seattle). σε αυτή την θηριώδη ιστορία αγάπης και προδοσίας με ίσα μέτρα χιούμορ, πάθους και γευστικού τρόμου.

 Ένα μεγάλο κεφάλαιο στο rock’n’roll είναι ο περιβόητος «Αργοχέρης» όπως είναι το προσωνύμιο του Eric Clapton λόγω του χαρακτηριστικού γλυκού παιξίματος της κιθάρας του! Ο Βρετανός μουσικός,  είναι βραβευμένος 18 φορές με το βραβείο Grammy, ο μοναδικός μουσικός που εντάχθηκε τρεις φορές στο Rock and Roll Hall of Fame, και γνωστός ως ένας από τους μεγαλύτερους κιθαρίστες στην ιστορία των Blues.

Με την φράση «CLAPTON IS GOD» ζωγραφισμένη σε γκράφιτι παντού στο Λονδίνο στη δεκαετία του 60, έγινε ο «ήρωας της κιθάρας» και έπαιξε έναν τεράστιο ρόλο στην ευρύτερη μουσική και πολιτιστική ιστορία. Τα τελευταία 50 χρόνια της σύγχρονης μουσικής, κανένας άλλος καλλιτέχνης δεν έχει συνεχώς διασταυρωθεί με τόσους άλλους σπουδαίους μουσικούς σε ένα ευρύ φάσμα μουσικών ειδών - πολλοί από τους οποίους έχουν εμπνεύσει το έργο του.Ο πατέρας του ήταν ο Edward Walter Fryer, Καναδός στρατιώτης ο οποίος τελικά παντρεύτηκε την Patricia και μετακόμισαν στον Καναδά και αργότερα στη Γερμανία.Το 1963 εντάχθηκε στο πρώτο του συγκρότημα, στους Roosters μαζί με τον Tom McGuiness οι οποίοι έπαιζαν κυρίως μουσική Rhythm και Blues. Αργότερα έπαιξε στους Yardbirds μαζί με τον Jimmy Page και τον Jeff Beck όπου έμεινε μέχρι και για το τραγούδι τους "For your Love" για να προσχωρήσει στη συνέχεια στους Bluesbreakers του John Mayall τον Απρίλιο του 1965.Τον Ιούλιο του 1966 αποχωρεί από τους Bluesbreakers και ιδρύει τους Cream με τον ντράμερ Ginger Baker και τον μπασίστα Jack Bruce. Το 1968 οι Cream διαλύονται για να επανενωθούν μετέπειτα το 1993 και το 2005 δίνοντας συναυλίες στο Royal Albert Hall του Λονδίνου και το Madison Square Garden της Νέας Υόρκης. Το συγκρότημα διαλύεται οριστικά το 2006.Η ζωή του πέρασε πολλές διακυμάνσεις, ατυχίες, πάθη και εθισμούς. Ένα άλλο μεγάλο πάθος του ήταν οι γυναίκες! Οι γνωστοί του τον αποκαλούσαν κοροϊδευτικά Eric Clapout το διάστημα που είχε χάσει τον έλεγχό του λόγω της ηρωίνης. Από την κατάσταση αυτή τον έβγαλε ο φίλος του Pete Townsend, κιθαρίστας των Who, τον έπεισε να δοκιμάσει μια νέα μέθοδο αποτοξίνωσης της Dr. Margaret Patterson που διαρκούσε πέντε βδομάδες, ήταν ανώδυνη και σχετικά εύκολη και ευχάριστη. Ο Townsend πλήρωσε τη θεραπεία του Clapton, που στοίχισε 7.500 δολλάρια την ημέρα! Ένα άλλο μεγάλο πάθος του ήταν οι γυναίκες.Είναι Ηγέτης (Commander) της Βρετανικής Αυτοκρατορίας (CBE) από το 2004 και ιππότης του τάγματος (OBE) από το 1994 για την προσφορά του στη μουσική.Η ζωή του μοιάζει με ταινία, είναι γεμάτη απώλειες, με πολύ ιδιαίτερη εκείνη του γιου του Κόνορ το 1991 που έπεσε σε ηλικία 4 χρονών από τον 53ο όροφο ουρανοξύστη στη Νέα Υόρκη από το διαμέρισμα της μητέρας του, για τον οποίο έγραψε το τραγούδι «Tears In Heaven» καθώς και η τραυματική του παιδική ηλικία καθώς μεγάλωσε με τους γονείς της μητέρας του, οι οποίοι όμως δεν τον υιοθέτησαν ποτέ επισήμως.Η απομονωμένη επιδίωξη της τέχνης του και ο φόβος να μη χάσει την αυθεντικότητα και την εντιμότητα του, έδρασε ως καταλύτης για την εξέλιξή του ως καλλιτέχνης.

 

Το Mean Streets είναι η ταινία που εκτόξευσε την καριέρα ενός από τους καλύτερους Αμερικανούς κινηματογραφιστές της γενιάς του: τον Martin Scorsese. Μετά τη δημιουργία του ενδιαφέροντος Who's That Knocking at My Door; (1968) και δουλεύοντας για τον Roger Corman στο Boxcar Bertha (1972), ο Scorsese εξερράγη στη σκηνή με αυτόν τον εξαιρετικά εξασφαλισμένο χαμηλό προϋπολογισμό για τις ζωές μιας παρέας νεαρών Ιταλών της Νέας Υόρκης που ζουν σε μια γειτονιά που ονομάζεται Μικρή Ιταλία.

Γυρισμένη σε τοποθεσία στη Νέα Υόρκη και το Los Angeles - με το ίδιο συνεργείο που χρησιμοποιήθηκε στο Boxcar Bertha - το Mean Streets ζωντανεύει έντονα. Η ταινία επικεντρώνεται στους αγώνες τεσσάρων κατοίκων της Μικρής Ιταλίας, όλοι άνδρες γύρω στα 20 τους που φιλοδοξούν να γίνουν γκάνγκστερ, τοκογλύφοι ή απλά κουκουλοφόροι. Υπάρχει ο Tony (David Proval), ο μεγάλος φιλικός που διευθύνει το μπαρ της γειτονιάς. Ο Μάικλ (Richard Romanus), ένας τοκογλύφος καρχαρίας που του αρέσει να ξεσκίζει αφελείς έφηβους από το Brooklyn. Ο Τζόνι Μπόι (Robert De Niro), ένας τρελός, που έχει μια τάση να ανατινάζει ταχυδρομικά κουτιά και να δανείζεται χρήματα από τοκογλύφους που δεν σκοπεύει ποτέ να επιστρέψει. και ο Charlie (Harvey Keitel), ο καλοντυμένος ανιψιός του αφεντικού της τοπικής μαφίας Giovanni (Cesare Danova), που δεν θέλει τίποτα άλλο από το να έχει το δικό του εστιατόριο.

Με αυτήν την ταινία, ο Martin Scorsese έδωσε για πρώτη φορά απόδειξη ότι ήταν κύριος του μέσου. Είναι μια τρομερά καλοφτιαγμένη ταινία, φωτογραφημένη με ευκρίνεια και καθαρά μονταρισμένη, με τη συνηθισμένη, σίγουρη οπτική αίσθηση που βάζει ο Scorsese σε όλες τις ταινίες του.

Η φυσική εξέλιξη των καταστάσεων είναι τόσο ζωντανή που δεν χρειάζεται πλοκή και οι χαρακτήρες είναι τόσο ρεαλιστικοί που η ταινία είναι συναρπαστική. Το επίκεντρο της ταινίας -όπως το επίκεντρο πολλών από τις ταινίες του Scorsese είναι η σύγκρουση μέσα στον κεντρικό χαρακτήρα, έναν αουτσάιντερ του οποίου οι απόψεις για τη ζωή είναι λίγο διαφορετικές από εκείνες γύρω του. ( Ο Travis στο Taxi Driver, 1976,  ο Paul στο  After Hours, 1985, και ο  Rupert στο  King of Comedy, 1983 είναι όλα χαρακτηριστικά παραδείγματα.)

Ο De Niro, με τον πιο επιδεικτικό ρόλο, είναι απλά εκπληκτικός και οι σκηνές του με τον Keitel (οι περισσότερες από τις οποίες αυτοσχεδιάστηκαν ή αναπτύχθηκαν μέσω αυτοσχεδιασμού) είναι απολύτως λαμπρές, ηχώντας απόλυτης αλήθειας και φυσικής εξέλιξης. Το δεύτερο καστ είναι επίσης εντυπωσιακό με τους Romanus και Danova να είναι ιδιαίτερα δυνατοί και, σε μικρότερους ρόλους, ο Northrup (ως διαταραγμένος κτηνίατρος του Βιετνάμ) και ο Memmoli (ως ιδιοκτήτης μιας αίθουσας πισίνας) είναι εξαιρετικοί. 

After The Fire - Der Kommissar

Η αρχική έκδοση ηχογραφήθηκε στα γερμανικά από τον Αυστριακό τραγουδιστή Falco, ο οποίος είχε επιτυχία #1 στις ΗΠΑ το 1986 με το "Rock Me Amadeus". Η εκδοχή του "Der Kommissar" ήταν αγαπημένη στην Ευρώπη, αλλά ήταν απίθανο να σπάσει τα αμερικανικά τσαρτ, έτσι ο Falco ενθάρρυνε τα αγγλόφωνα συγκροτήματα να ηχογραφήσουν αυτό το τραγούδι για να μπορέσει να κάνει επιτυχία στις Ηνωμένες Πολιτείες.

Οι After The Fire ήταν ένα βρετανικό συγκρότημα του οποίου το πιο αξιοσημείωτο μέλος ήταν ο πρώην κιθαρίστας των Yes , Peter Banks. Κυκλοφόρησαν τρία αρκετά επιτυχημένα άλμπουμ στην Αγγλία πριν η δισκογραφική τους, CBS Records, εκδώσει το άλμπουμ Der Kommissar στην Αμερική. Το ομότιτλο κομμάτι έγινε η μοναδική επιτυχία του γκρουπ - η συνέχεια τους ήταν ένα τραγούδι που ονομαζόταν "Dancing in the Shadows", το οποίο έφτασε στο #85 στις ΗΠΑ.

 Μια κλασική ταινία αγώνων αυτοκινήτων με πρωταγωνιστή τον Steve McQueen, το Le Mans(1971) βάζει το κοινό στη θέση του οδηγού για αυτό που συχνά αποκαλείται ο πιο εξαντλητικός αγώνας στον κόσμο. Ο γαλλικός αγώνας αυτοκινήτου Le Mans είναι μια 24ωρη υπόθεση στη γαλλική ύπαιθρο, μια απαιτητική δοκιμασία για κάθε οδηγό. Οι φίλοι των αγώνων ταχύτητας, το θεωρούν σαν ίσως το κορυφαίο που γυρίστηκε ποτέ σε φιλμ. Γι` αυτό, ευθύνεται το ύφος ντοκιμαντέρ που του έδωσε ο σκηνοθέτης, για τα καταπληκτικά του πλάνα, όπως και για το γεγονός ότι ουσιαστικά, φιλμάρισε έναν αγώνα ταχύτητας(αυτόν του 1970), και δεν δημιούργησε εικόνες προερχόμενες από κάποιο στούντιο.

Πριν από 51  χρόνια , το Le Mans του Steve McQueen έκανε την πρεμιέρα του.  Το βασικό κοινό το αγνόησε, αλλά στα 51 χρόνια από την πρεμιέρα του, το Le Mans έχει γίνει τοτέμ για τους λάτρεις του αυτοκινήτου. Απλώς παρακολουθήστε τις φοβερές σκηνές των  αγώνων για να δείτε γιατί. Η ταινία αποτυπώνει υπέροχα μια από τις πιο εμβληματικές, υποβλητικές εποχές του μηχανοκίνητου αθλητισμού. 

Το Le Mans, είναι μια τεταμένη και συχνά τρομακτική αφήγηση του κλασικού αγώνα αυτοκινήτου στο Le Mans, που ονομάζεται "24 ώρες", επειδή αυτή είναι η συγκεκριμένη περίοδος αντοχής για αυτό το τεστ ταχύτητας, αντοχής, ικανότητας και τύχης των ανδρών και των μηχανών. Σε παραγωγή Jack N. Reddish, με τον Robert E. Relyea ως εκτελεστικό παραγωγό, το Le Mans κυριαρχείται από τα αγωνιστικά αυτοκίνητα. Είναι σχεδόν εξ ολοκλήρου μια οπτική εμπειρία. 

Το Le Mans γυρίστηκε στην τοποθεσία στην πίστα του Le Mans μεταξύ Ιουνίου και Νοεμβρίου 1970, συμπεριλαμβανομένου του πραγματικού αγώνα  εκείνης της σεζόν στα μέσα Ιουνίου. Ο Steve McQueen και ο σκηνοθέτης John Sturges εργάστηκαν για μεγάλο χρονικό διάστημα στο έργο και αρχικά έστησαν την ταινία στη Warner Bros  με τον τίτλο "Day of the Champion". Η συμφωνία τελικά με το στούντιο ακυρώθηκε. Μετά την εξασφάλιση συμφωνίας με την Cinema Center Films και την National General Pictures, το έργο ξαναγυρίστηκε με τον τίτλο "Le Mans".  Ο  σκηνοθέτης Lee H. Katzin ήρθε για να ολοκληρώσει το έργο.

Υπόθεση: Ο McQueen (Bullitt, The Great Escape) υποδύεται τον Αμερικανό οδηγό, κλειδωμένο σε έναν έντονο αγώνα μνησικακίας με τον Γερμανό ομόλογό του, ακόμη και όταν παλεύει με την ενοχή για την πρόκληση ενός ατυχήματος που στοίχισε τη ζωή ενός στενού φίλου. Ο McQueen είναι ο συνηθισμένος στωικός μαγνητικός εαυτός του και οι σεκάνς των αγώνων είναι από τις καλύτερες που έχουν αφοσιωθεί ποτέ στον κινηματογράφο. 

Μια συμπαγής ιστορία βασισμένη στους χαρακτήρες συνδυάζεται με την ακατέργαστη σπλαχνική δύναμη για να κάνει το Le Mans μια πλούσια ταινία δράσης και συγκινήσεων. Με αφορμή λοιπόν τον μισό αιώνα του, δείτε το Le Mans ή ξαναδείτε το αν το έχετε ήδη δει. Στη συνέχεια, πηγαίνετε και παρακολουθήστε το ντοκιμαντέρ του 2015 για τη δημιουργία της ταινίας.

 Είναι δύσκολο να κατηγοριοποιήσεις τη δουλειά του Jack Clayton  ως σκηνοθέτη. Δεδομένου ότι όλες οι ταινίες μεγάλου μήκους του ήταν προσαρμοσμένες από μυθιστορήματα, μπορούσε να θεωρηθεί ως ο πιο λογοτεχνικός Βρετανός σκηνοθέτης, και ωστόσο ήταν επίσης βαθιά αφοσιωμένος στη χρήση όλων των πόρων που του πρόσφερε ο κινηματογράφος. Οι ταινίες του ήταν πάντα προσεγμένες, αλλά περιείχαν και στιγμές αυθορμητισμού και ωμότητας.

Ο Jack Clayton γεννήθηκε στο Μπράιτον την 1η Μαρτίου 1921. Άρχισε να εργάζεται στη βιομηχανία του κινηματογράφου σε ηλικία δεκατεσσάρων ετών ως τρίτος βοηθός σκηνοθέτη για μια  ταινία του Αλεξάντερ Κόρντα στο Λονδίνο στα στούντιο Denham. Η πρώτη του εμπειρία σκηνοθεσίας ταινιών έγινε κατά τη διάρκεια του πολέμου με το Naples is a Battlefield (1944), ένα ντοκιμαντέρ μικρού μήκους για τη Μονάδα Κινηματογράφου της Βασιλικής Αεροπορίας. Στα τέλη της δεκαετίας του 1940 και το πρώτο μισό της δεκαετίας του 1950, εργάστηκε σε μια σειρά ταινιών ως βοηθός σκηνοθέτη, διευθυντής παραγωγής, σκηνοθέτης δεύτερης μονάδας, συνεργάτης παραγωγός και, από το 1956 και μετά, ως παραγωγός.

Το 1955 έκανε την πρώτη του σκηνοθεσία για τη μικρού μήκους ταινία The Bespoke Overcoat, μια προσαρμογή μιας ιστορίας φαντασμάτων του Nikolai Gogol. Αν και η ταινία είχε σημαντική επιτυχία, κερδίζοντας ένα Όσκαρ και ένα βρετανικό Όσκαρ, ο Clayton συνέχισε να εργάζεται ως παραγωγός για αρκετά ακόμη χρόνια.

Η κυκλοφορία του Room at the Top το 1959 εγκαινίασε έναν κύκλο ρεαλιστικών ταινιών που έγιναν γνωστοί ως Βρετανικό Νέο Κύμα. Αυτές οι ταινίες, οι οποίες παρουσίαζαν για την εποχή ασυνήθιστα ειλικρινείς μεταχειρίσεις σεξουαλικών ηθών, θεωρήθηκαν από πολλούς κριτικούς ως εισαγωγή μιας νέας ωριμότητας στον βρετανικό κινηματογράφο. Το Clearly Room at the Top ταίριαξε αυτό το μοτίβο στην εστίασή του σε έναν υλιστή άνδρα της εργατικής τάξης που αναζητούσε την καλή ζωή σε μια βόρεια πόλη.

Θέτοντας ένα μοτίβο που συνεχίστηκε στην υπόλοιπη καριέρα του, ο Clayton πήρε μια εντελώς διαφορετική πορεία με τη δεύτερη ταινία του, στην οποία ήταν και παραγωγός και σκηνοθέτης. Η ιστορία φαντασμάτων εποχής, The Innocents (1961) σχετικά με την κάθοδο μιας γυναίκας στην τρέλα διασκευάστηκε από τον Truman Capote από το κλασικό διήγημα του Henry James, The Turn of the Screw, το οποίο ο Clayton είχε διαβάσει για πρώτη φορά όταν ήταν 10 ετών. Από μια ευτυχή σύμπτωση, ο Clayton υπέγραψε συμβόλαιο για να γυρίσει μια άλλη ταινία για την 20th Century Fox, όπως και η ηθοποιός Deborah Kerr, την οποία ο Clayton θαύμαζε εδώ και καιρό, έτσι μπόρεσε να δώσει στην Kerr τον πρωταγωνιστικό ρόλο ως Miss Giddens, μια οικιακή βοηθός που πιάνει δουλειά σε μια μεγάλη, απομακρυσμένη αγγλική  εξοχική κατοικία; Εκεί δουλεύοντας ως γκουβερνάντα σε έναν ορφανό αδερφό και μια αδελφή, η Giddens σταδιακά πιστεύει ότι οι νεαρές κατηγορίες της κυριεύονται από κακά πνεύματα.

Οι δυσκολίες του γάμου και της απιστίας εμφανίζονται στην υποτιμημένη μεταφορά του Clayton του The Great Gatsby (1974). Ομοίως, πλημμυρισμένη από μοναξιά και λαχτάρα, η ιστορία αφορά το ειδύλλιο μεταξύ ενός μυστηριώδους εκατομμυριούχου, του Jay Gatsby (Robert Redford),  και μιας παντρεμένης κοσμικής γυναίκας , Daisy Buchanan (Mia Farrow).  Η ταινία του Clayton φιλτράρει την εποχή της τζαζ μέσα από το πρίσμα της τάξης, με υπομονετικό ρυθμό και πλούσια φωτογραφία, αναδεικνύοντας τη σύγκρουση πλουσίων και φτωχών με τρόπο που παραπέμπει στο Room at the Top. Δεδομένου ότι ο Gatsby και η Daisy συναντήθηκαν για πρώτη φορά όταν ο πρώτος ήταν αξιωματικός κατά τη διάρκεια του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου, οι δύο ταινίες μοιράζονται επίσης μια ανησυχία για τη μεταπολεμική ζωή των στρατιωτικών.

Στο Our Mother’s House (1967), ο Clayton επέστρεψε στα θέματα που διερεύνησε με το Ιnnocents , δηλαδή τις επιπτώσεις στα παιδιά των δύστροπων ενηλίκων και τη δογματική θρησκεία. Ένα γοτθικό ψυχόδραμα, το Our Mother's House αφηγείται την ανησυχητική ιστορία επτά αδερφών που θάβουν τη νεκρή μητέρα τους στον κήπο τους και, επιλέγοντας να μην πουν σε κανέναν άλλο τι έχει συμβεί, συνεχίζουν να επικοινωνούν μαζί της μέσω συνεδρίων.

Something Wicked This Way Comes (1983):Ο Clayton  επέστρεψε στη σκηνοθεσία μετά από μια παρατεταμένη παύση που τον ανάγκασε να κάνει μετά από το εγκεφαλικό του το 1977. Η νέα του ταινία ήταν άλλο ένα ονειρικό έργο που ξεκίνησε περισσότερα από είκοσι χρόνια νωρίτερα, αλλά το οποίο δεν είχε καταφέρει να πραγματοποιήσει. Ακόμη και πριν έρθει στα χέρια του Clayton, η κινηματογραφική εκδοχή του Something Wicked This Way Comes του Ray Bradbury είχε μια καρώ ιστορία. Ο Bradbury έγραψε το πρωτότυπο διήγημα το 1948 και το 1957 (σύμφωνα με πληροφορίες αφού είδε το Singin' in the Rain περίπου 40 φορές), ο Bradbury το προσάρμοσε σε μια επεξεργασία οθόνης 70 σελίδων και το παρουσίασε ως δώρο στον Gene Kelly. Η εκδοχή της ταινίας που κυκλοφόρησε στα τέλη Απριλίου 1983 ήταν ένας συμβιβασμός μεταξύ της επιμονής της Disney για μια εμπορική ταινία με «οικογενειακή» απήχηση και του αρχικού, πιο σκοτεινού οράματος της ιστορίας του Clayton.

The Lonely Passion of Judith Hearne (1987):Η τελευταία μεγάλου μήκους ταινία του Clayton ήταν η βρετανικής παραγωγής The Lonely Passion of Judith Hearne (1987), μια ταινία που είχε παρουσιάσει αρχικά το 1961.  Κέρδισε τους κριτικούς επαίνους του Clayton για πρώτη φορά μετά από πολλά χρόνια, και ο πρώην συνεργάτης Larry McMurtry περιέγραψε την ταινία ως "το καλύτερο έργο του Brian Moore και ίσως και του Jack Clayton".

Memento Mori (1992): Ο Clayton επανενώθηκε με τη Maggie Smith και τον Georges Delerue το 1992 για αυτό που επρόκειτο να είναι το τελευταίο του έργο στην οθόνη και η πρώτη του κωμωδία - μια μεγάλου μήκους τηλεοπτική μεταφορά του Memento Mori από το BBC, βασισμένη στο μυθιστόρημα της Muriel Spark.  Με ένα ισχυρό καστ που περιλάμβανε τους Maggie Smith, Michael Hordern και Thora Hird, το Memento Mori εξέφρασε ήσυχα συγκινητικούς διαλογισμούς για την απογοήτευση και τη γήρανση. Προβλήθηκε τον Απρίλιο του 1992, μόλις ένα μήνα μετά τον θάνατο του Georges Delerue στο Χόλιγουντ, σε ηλικία 67 ετών. Σύμφωνα με τον Neil Sinyard[16] Ο Clayton τελικά ενθαρρύνθηκε να κάνει την ταινία μετά την επιτυχία του Driving Miss Daisy. Ο Κλέιτον το παρουσίασε με επιτυχία στο BBC, το οποίο ήταν ανοιχτό σε ένα τέτοιο έργο μετά τις πρόσφατες επιτυχίες του με ταινίες "φτιαγμένες για τηλεόραση" όπως το Truly Madly Deeply και το Enchanted April. Προβλήθηκε επίσης σε φεστιβάλ σε όλο τον κόσμο, όπου έτυχε καλής αποδοχής και κέρδισε πολλά βραβεία, συμπεριλαμβανομένου του βραβείου καλύτερου σεναρίου από το Writers' Guild of Great Britain.

Αυτή η δεξιοτεχνία του κέρδισε τον σεβασμό των κινηματογραφιστών συναδέλφων του , αλλά - με αξιοσημείωτη εξαίρεση το Room at the Top (1959), που από πολλές απόψεις ήταν η λιγότερο χαρακτηριστική ταινία του - σπάνια γνώρισε ουσιαστική εμπορική επιτυχία. Ένας σκηνοθέτης με αξιοσημείωτο ταλέντο, η ασυμβίβαστη ανεξαρτησία του Κλέιτον οδήγησε όχι μόνο σε μια σχετικά μικρή παραγωγή - με μόνο οκτώ ταινίες μεγάλου μήκους να έχουν ολοκληρωθεί σε ολόκληρη την καριέρα του - αλλά και στο ότι συχνά δεν συμβαδίζει με αυτό που ήθελε η αγορά, και μερικές φορές και οι κριτικοί. .

Αποτελέσματα μετάφρασηΕίναι δύσκολο να κατηγοριοποιήσεις τη δουλειά του Τζακ Κλέιτον ως σκηνοθέτη. Δεδομένου ότι όλες οι ταινίες μεγάλου μήκους του ήταν προσαρμοσμένες από μυθιστορήματα, μπορούσε να θεωρηθεί ως ο πιο λογοτεχνικός Βρετανός σκηνοθέτης, και ωστόσο ήταν επίσης βαθιά αφοσιωμένος στη χρήση όλων των πόρων που του πρόσφερε ο κινηματογράφος. Οι ταινίες του ήταν πάντα προσεγμένες, αλλά περιείχαν και στιγμές αυθορμητισμού και ωμότητας.

Ο σκηνοθέτης Henry Koster μεταφέρει στη μεγάλη οθόνη το διάσημο μυθιστόρημα του Lloyd C. Douglas με τον Richard Burton, τη Jean Simmons και τον Victor Mature.

Το «The Robe»  είναι ένα ιστορικό έπος με ξίφη, σανδάλια και θρησκευτικό στιλ, «η πρώτη κινηματογραφική ταινία στο Cinemascope». Είναι μια στιβαρή και, φυσικά, όμορφη ταινία, αλλά είναι επίσης βαριά και ουρλιαχτά αδίστακτη. Ανεξάρτητα από αυτό, το "The Robe" είναι ένα συναρπαστικό έπος του οποίου η ιστορία, η εμφάνιση και οι πρωταγωνιστές είναι πλήρως ελκυστικοί. Είναι ένα αντίστοιχο ρωμαϊκού θέματος της ιστορίας του Ben-Hur με εβραϊκό θέμα, ένα επικό μελόδραμα που προσεγγίζει το πάθος και την ανάσταση του Χριστού εφαπτομενικά, από την οπτική γωνία ενός εξωτερικού παρατηρητή — και, όπως ο Ben-Hur, βασίστηκε σε ένα ευσεβές ιστορικό μυθιστόρημα, αυτό του Λουθηρανού πάστορα Lloyd C. Douglas.

Ο Frank Ross απέκτησε τα δικαιώματα για το μυθιστόρημα το 1942, πριν ολοκληρωθεί για $100.000. Το The Robe αρχικά ανακοινώθηκε για γυρίσματα από την RKO στη δεκαετία του 1940 και επρόκειτο να σκηνοθετηθεί από τον Mervyn LeRoy, αλλά τα δικαιώματα τελικά πωλήθηκαν στην Twentieth Century Fox.

Ο Jeff Chandler  ανακοινώθηκε αρχικά για τον ρόλο του Δημήτριου. Ο Victor Mature υπέγραψε τον Δεκέμβριο του 1952 για να κάνει και το The Robe και ένα sequel για τον Demetrius. Ο John Buckmaster δοκίμασε τον ρόλο του Καλιγούλα.

Τα γυρίσματα ολοκληρώθηκαν στις 30 Απριλίου 1953, δύο εβδομάδες νωρίτερα από το χρονοδιάγραμμα. Η ταινία διαφημίστηκε ως «το σύγχρονο θαύμα που βλέπεις χωρίς γυαλιά», μια ανασκαφή στις τρισδιάστατες ταινίες της εποχής.

Το «The Robe» επικεντρώνεται σε έναν Ρωμαίο εκατόνταρχο που, αφού προήδρευσε στη σταύρωση του Ιησού Χριστού, βιώνει κρίση και αλλαγή πίστης. Ο Richard Burton  παίζει τον  Ρωμαίο εκατόνταρχο . Ενώ στο «The Robe» λείπει η περιπέτεια και οι αυθεντικές, βασισμένες στην πίστη υπερβατικές στιγμές άλλων επών με ομοϊδεάτες, εξακολουθεί να χαρακτηρίζεται ως ένα καλά υλοποιημένο έργο. Αν και το οπτικό του μεγαλείο δεν θα ακυρώσει ποτέ την επιμονή του να είναι υπερβολικά εμφανές στο μήνυμά του, το «The Robe» είναι ένα σταθερό παράδειγμα κινηματογραφικής δημιουργίας μεγάλου προϋπολογισμού στα μέσα του αιώνα.

Πλοκή: Ο Μαρκέλλος είναι  επικεφαλής της ομάδας που έχει ανατεθεί να σταυρώσει τον Ιησού. Μεθυσμένος, κερδίζει το χιτώνα του Ιησού μετά τη σταύρωση. Βασανίζεται από εφιάλτες και αυταπάτες μετά το συμβάν. Ελπίζοντας να βρει έναν τρόπο να ζήσει με ό,τι έχει κάνει, και συνεχίζοντας να μην πιστεύει στον Ιησού, επιστρέφει στην Παλαιστίνη για να προσπαθήσει να μάθει ότι μπορεί για  τον άνθρωπο που σκότωσε.

ΒΡΑΒΕΥΣΕΙΣ ΚΑΙ ΔΙΑΚΡΙΣΕΙΣ

2 Βραβεία Όσκαρ (1954):

Καλλιτεχνικής Διεύθυνσης (Lyle R. Wheeler, George W. Davis, Walter M. Scott, Paul S. Fox)

Ενδυματολογίας (Charles Le Maire, Emile Santiago)

3 υποψηφιότητες για Όσκαρ (1954):

Καλύτερης Ταινίας (Frank Ross)

Α’ Ανδρικού Ρόλου (Richard Burton)

Φωτογραφίας (Leon Shamroy)

Η ταινία τιμήθηκε με Χρυσή Σφαίρα Καλύτερης Ταινίας.

 Η ζωντανή ηχογράφηση της συναυλίας του Σταύρου Ξαρχάκου στο θέατρο «Παλλάς» στις 4 Μαΐου 1988, με ερμηνευτές τον Γιώργο Νταλάρα και τη Δήμητρα Γαλάνη, που κυκλοφόρησε την ίδια χρονιά σε διπλό δίσκο από τη Minos.

Η συναυλία, που πραγματοποιήθηκε σε συνεργασία με το Πνευματικό Κέντρο του Δήμου Αθηναίων, για τους σκοπούς του «Χατζηπατέρειου» Κέντρου Αποκατάστασης και Στήριξης Παιδιού, ήταν χωρισμένη σε δύο μέρη. Το πρώτο περιλάμβανε μια επιλογή τραγουδιών του Σταύρου Ξαρχάκου της περιόδου 1962 – 1980 και το δεύτερο τραγούδια από την ταινία του Κώστα Φέρρη «Ρεμπέτικο». Στον δίσκο βέβαια μπήκαν ανάποδα. Ο πρώτος δίσκος περιλάμβανε τα τραγούδια του «Ρεμπέτικου» και ο δεύτερος τα υπόλοιπα. Δεύτερες φωνές έκανε η Ελένη Τσαλιγοπούλου, στα πρώτα της βήματα, τότε, στο ελληνικό τραγούδι.

Η συναυλία,  μεταδόθηκε ζωντανά από τον «Αθήνα 9,84» και σε μαγνητοσκόπηση από την ΕΤ1.

Τα τραγούδια των δίσκων

1ος δίσκος

Τραγούδια από την ταινία «Ρεμπέτικο» του Κώστα Φέρρη

1) Μάνα μου Ελλάς (στίχοι: Νίκος Γκάτσος) Γιώργος Νταλάρας*

2) Το δίχτυ (Νίκος Γκάτσος) Δήμητρα Γαλάνη / β’ φωνή: Γιώργος Νταλάρας, Ελένη Τσαλιγοπούλου

3) Στου Θωμά (Κώστας Φέρρης) Γιώργος Νταλάρας*

4) Μπουρνοβαλιά (Νίκος Γκάτσος) Δήμητρα Γαλάνη

5) Το πρακτορείο (Νίκος Γκάτσος) Δήμητρα Γαλάνη

6) Τα παιδιά της άμυνας (Παραδοσιακό / Διασκευή Σταύρου Ξαρχάκου) Γιώργος Νταλάρας *

7) Ιμιτλερίμ (Παραδοσιακό / Διασκευή Σταύρου Ξαρχάκου) Γιώργος Νταλάρας

8) Στου Θωμά (Κώστας Φέρρης) Γιώργος Νταλάρας*
*Β’ φωνή: Ελένη Τσαλιγοπούλου

2ος δίσκος

1) Σαββατόβραδο στην Καισαριανή (Λευτέρης Παπαδόπουλος) Γιώργος Νταλάρας

2) Να με θυμάσαι (Βαγγέλης Γκούφας) Δήμητρα Γαλάνη

3) Ειν’ αρρώστια τα τραγούδια (Μάνος Ελευθερίου) Γιώργος Νταλάρας

4) Βαρκαρόλα (Βαγγέλης Γκούφας) Δήμητρα Γαλάνη

5) Ήτανε μια φορά (Κώστας Φέρρης) Γιώργος Νταλάρας

6) Χάθηκε το φεγγάρι (Βαγγέλης Γκούφας) Δήμητρα Γαλάνη

7) Η νύχτα (Νίκος Γκάτσος) Γιώργος Νταλάρας

8) Ένα πρωινό (Ανναμπέλ) (Γιώργος Παπαστεφάνου) Δήμητρα Γαλάνη

9) Αγάπη – αγάπη (Από το θεατρικό έργο του Φεντερίκο Γκαρθία Λόρκα «Περλιμπίν και Μπελίσσα» / Απόδοση στα ελληνικά: Νίκος Γκάτσος) Δήμητρα Γαλάνη

10) Ο μαύρος ήλιος (Νίκος Γκάτσος) Γιώργος Νταλάρας

Η ενορχήστρωση και διεύθυνση ορχήστρας έγιναν από τον Σταύρο Ξαρχάκο. Έπαιξαν οι μουσικοί: Μάκης Μαυρόπουλος (μπουζούκι), Χρήστος Κωνσταντίνου (μπουζούκι, ντόμπρα), Χρήστος Ζέρβας, Νίκος Σαμπαζιώτης, Γιώργος Κόκκινος (κιθάρα), Νίκος Τσεσμελής (κλασικό μπάσο), Γιώργος Ζηκογιάννης (ηλεκτρικό μπάσο), Πλούταρχος Ρεμπούτσικας (τσέλο), Στέφανος Στεφανόπουλος (πνευστά), Νίκος Ζέρβας (keyboards), Γιάννης Ζερβίδης (πιάνο), Στέφανος Ζάρλας (ντραμς, κρουστά), Αριστείδης Μόσχος, Ελένη Φίλιππα, Γιάννης Κοροβέσης (σαντούρι), Λάζαρος Κουλαξίζης (ακορντεόν), Γιώργος Μαγκλάρας (βιολί), Νίκος Σαραγούδας, Μανώλης Μπουρνιάς (ούτι), Μανώλης Καραντίνης (μπαγλαμά), Κλεάνθης Τσακνάκης (τζουρά), Σπύρος Γλένης (ταραμπούκα) και ο Γιώργος Νταλάρας (κιθάρα).

Η ηχογράφηση έγινε από τον Γιάννη Σμυρναίο με το κινητό συνεργείο Master Sound και το remix στο studio Polysound, οι φωτογραφίες ήταν του Αλέξη Σοφιανόπουλου, του Δημήτρη Πανουλή και του Ντίμη Αργυρόπουλου, το εξώφυλλο επιμελήθηκε ο Χάρης Σπυρόπουλος και η οργάνωση παραγωγής ήταν της Κικής Καραβασίλη. Το album κυκλοφόρησε παράλληλα και στο Ισραήλ.

Πηγή: ogdoo.gr

 Η ταινία του σκηνοθέτη William Wyler ήταν μια επανάληψη της θεαματικής βωβής ταινίας με τον ίδιο τίτλο .

 Το Ben-Hur: A Tale of the Christ (1925) της MGM, με 125.000 καστ, κόστισε περίπου 4 εκατομμύρια δολάρια μετά την έναρξη των γυρισμάτων στην Ιταλία, το 1923, και πρωταγωνιστούσαν τα είδωλα της βωβής οθόνης Ramon Novarro και Francis X. Bushman. Αυτό το ποσό ισοδυναμεί με 33 εκατομμύρια δολάρια σήμερα - ήταν η πιο ακριβή βωβή ταινία που γυρίστηκε ποτέ.

Αυτό το ριμέικ του μυθιστορήματος εμπνεύστηκε από το γεγονός ότι τρία χρόνια νωρίτερα, ο Cecil B. DeMille και η Paramount είχαν ξαναφτιάξει την έκδοση του 1925 της ταινίας του ως μια επιτυχημένη βιβλική ιστορία της εποχής του '50 με τίτλο The Ten Commandments (1956). Η ηρωική φιγούρα του Charlton Heston (μια εμβληματική και δίκαιη φιγούρα του Μωυσή) θα ανατεθεί και πάλι να παίξει τον πρωταγωνιστικό ρόλο σε αυτήν την ταινία ενός Εβραίου ευγενή (ο Πρίγκιπας της Ιουδαίας) - αφού ο ρόλος απορρίφθηκε από τουςBurt Lancaster, Rock Hudson και Paul Newman. 

Η Metro-Goldwyn-Mayer έπαιξε στοίχημα 15 εκατομμύρια δολάρια —ένας προϋπολογισμός μεγαλύτερος από κάθε προηγούμενη ταινία— και την οικονομική σταθερότητα του στούντιο σε αυτό το τεράστιο ριμέικ του κλασικού βωβού κινηματογράφου (1925). Και οι δύο ταινίες βασίστηκαν στο μυθιστόρημα του Lewis Wallace του 1880. Η ανταμοιβή ήταν αυτό που έγινε, εκείνη την εποχή, η ταινία με τις υψηλότερες εισπράξεις που κυκλοφόρησε ποτέ, κερδίζοντας περίπου 74 εκατομμύρια δολάρια στις Ηνωμένες Πολιτείες.  Ο Μπεν-Χουρ έλαβε 12 υποψηφιότητες για Όσκαρ και κέρδισε 11 αγαλματίδια, αριθμός που τα επόμενα 50 χρόνια θα ισοδυναμούσε μόνο με τον Τιτανικό (1997) και τον Άρχοντα των Δαχτυλιδιών: Η Επιστροφή του Βασιλιά (2003),οι μόνες ταινίες που σημείωσαν αυτό το εκπληκτικό ρεκόρ, αν και σε αντίθεση με αυτήν την ταινία, βγήκαν χωρίς Όσκαρ Α ανδρικού ρόλου..

Όσκαρ, Καλύτερης Ταινίας, Καλύτερης Ηθοποιού (Charlton Heston - το μοναδικό Όσκαρ της  καριέρας του), Β' Ανδρικού Ρόλου (Hugh Griffith), Σκηνοθεσίας (William Wyler), Καλύτερης Έγχρωμης Φωτογραφίας, Καλύτερης Έγχρωμης Καλλιτεχνικής Σκηνοθεσίας/Διακόσμησης Σκηνικού, Καλύτερος Ήχος, Καλύτερη Μουσική, Καλύτερο Μοντάζ , Καλύτερα  Κοστούμια, Καλύτερα Ειδικά Εφέ και Καλύτερο Σενάριο .  Πολλοί θεώρησαν ότι η ερμηνεία του Heston ήταν κατώτερη από άλλους υποψηφίους στην κατηγορία Καλύτερου Ηθοποιού: Jack Lemmon στο Some Like It Hot ή Laurence Harvey στο Room at the Top και James Stewart στο Anatomy of a Murder.

Η ακολουθία αρματοδρομιών στο Circus Maximus (ένα εκπληκτικό αντίγραφο αυτού στη Ρώμη) είναι μια από τις πιο συναρπαστικές και διάσημες στην ιστορία του κινηματογράφου. (Αποτίθηκε φόρος τιμής σε αυτό με το pod-race του George Lucas στο Star Wars: Episode I - The Phantom Menace (1999).) Ο χώρος του αγώνα, το Circus Maximus στην Ιερουσαλήμ (Ιουδαία), κατασκευάστηκε σε πάνω από 18 στρέμματα χώρο στο πίσω μέρος του στούντιο Cinecitta έξω από τη Ρώμη και τα γυρίσματα της σεκάνς διήρκεσαν περίπου πέντε εβδομάδες. Εκτός από δύο από τα πιο θεαματικά ακροβατικά, τόσο ο Charlton Heston όσο και ο Stephen Boyd  έκαναν μόνοι τους την οδήγηση με άρμα στην προσεκτικά χορογραφημένη σειρά. Υπάρχουν αντιφατικές αναφορές για το θάνατο ενός κασκαντέρ κατά τη διάρκεια της επικίνδυνης σκηνής της ταινίας, ωστόσο καμία δημοσιευμένη συζήτηση της ταινίας δεν αναφέρει το ατύχημα και η αυτοβιογραφία του Charlton Heston του 1995 In the Arena ανέφερε συγκεκριμένα ότι κανείς δεν τραυματίστηκε σοβαρά  κατά τη διάρκεια των γυρισμάτων της σκηνής.

 Ο Audie  Murphy ήταν ένας θρύλος στην εποχή του - ήρωας πολέμου, ηθοποιός , συνθέτης  τραγουδιών country  και ποιητής.

Ο Murphy κατατάχθηκε στον στρατό το 1942, έχοντας παραποιήσει το πιστοποιητικό γέννησής του για να καταταγεί προτού πληροί τις προϋποθέσεις. (Έτσι, ορισμένες πηγές λανθασμένα αναφέρουν το 1924 ως έτος γέννησής του.) Κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου σκότωσε εκατοντάδες Γερμανούς σε μάχη και μια φορά πήδηξε πάνω σε ένα φλεγόμενο καταστροφέα τανκ για να στρέψει το πολυβόλο του στα εχθρικά στρατεύματα. Το 1945 έλαβε το Μετάλλιο Τιμής του Κογκρέσου. Με τη δύναμη της ηρωικής του ιδιότητας, έγινε ηθοποιός μετά τον πόλεμο, πρωταγωνιστώντας σε ταινίες όπως το The Red Badge of Courage (1951), To Hell and Back (1955) και The Quiet American (1958). 

Ο πρώτος του πρωταγωνιστικός ρόλος ήρθε σε μια ταινία που κυκλοφόρησε το 1949 από την Allied Artists με τίτλο, Bad Boy. Το 1950 ο Murphy πήρε τελικά συμβόλαιο με την Universal-International (που αργότερα ονομάστηκε Universal) όπου πρωταγωνίστησε σε 26 ταινίες, 23 από τις οποίες γουέστερν .  Ο Murphy πρωταγωνίστησε ως ο ίδιος σε μια κινηματογραφική βιογραφία που κυκλοφόρησε από την Universal-International το 1955 με τον  τίτλο To Hell and Back . Η ταινία, To Hell and Back, κατείχε το ρεκόρ ως η ταινία με τις υψηλότερες εισπράξεις της Universal μέχρι το 1975, όταν τελικά ξεπεράστηκε από την ταινία Jaws. Στα μέσα της δεκαετίας του '60, τα στούντιο μεταπήδησαν από συμβασιούχους παίκτες στην πρόσληψη ηθοποιών ανά εικόνα. Κατά συνέπεια, όταν έληξε το συμβόλαιό του το 1965, η Universal δεν ανανέωσε. Αυτό του έδωσε την ευκαιρία να συνεργαστεί με άλλα στούντιο και ανεξάρτητους παραγωγούς ταινιών. Στα 25 χρόνια που πέρασε ο Audie στο Χόλιγουντ, γύρισε συνολικά 44 μεγάλου μήκους ταινίες.

Ο Audie γύρισε επίσης μια τηλεοπτική σειρά γουέστερν 26 επεισοδίων, γνωστή ως Whispering Smith που προβλήθηκε στο NBC το 1961. Αν και η σειρά κέρδισε καλές κριτικές, χαρακτηρίστηκε επίσης ως ασυνήθιστα βίαιη. Μόλις 20 επεισόδια προβλήθηκαν πριν ακυρωθεί η σειρά.

Παρά την επιτυχία του στο Χόλιγουντ, ο Audie δεν ξέχασε ποτέ τις αγροτικές ρίζες του από το Τέξας. Επέστρεφε συχνά στην περιοχή του Ντάλας όπου είχε ένα μικρό ράντσο για λίγο. Είχε επίσης ράντζα στο Perris της Καλιφόρνια και κοντά στο Tucson της Αριζόνα. Ήταν ένας επιτυχημένος ιδιοκτήτης και εκτροφέας αλόγων ιπποδρομιών.  

Πέθανε όταν το ιδιωτικό του αεροπλάνο συνετρίβη. Τάφηκε στο Εθνικό Κοιμητήριο του Άρλινγκτον με πλήρεις στρατιωτικές τιμές.

 Αδυσώπητος, στρατιωτικός ηγέτης, θαυμαστός πολεμιστής, παγκόσμιος κατακτητής. Μια κλασσική ταινία για την πολυτάραχη ζωή του μεγάλου στρατηλάτη του μέγα Αλέξανδρου. Γυρισμένη το 1956 και σε σκηνοθεσία Robert Rossen, με τους εκατομμύρια κομπάρσους που πήραν μέρος, η ταινία είναι ότι καλύτερο έχει κάνει το Χόλυγουντ για την ζωή του μεγάλου Μακεδόνα στρατηγού.

Ο Robert Rossen μνημονεύεται σήμερα κυρίως για δύο ταινίες. Το πολιτικό του παραμύθι All The King’s Men (1949) κέρδισε το Όσκαρ Καλύτερης Ταινίας. Το The Hustler (1961) έδωσε στον Paul Newman τον πιο εμβληματικό του ρόλο και βοήθησε στον καθορισμό μιας νέας σχολής αστικού ρεαλισμού που ταιριάζει με την ψυχολογία  στην αμερικανική κινηματογραφική παραγωγή που αναμφισβήτητα βοήθησε στη δημιουργία ενός προτύπου για το ανεξάρτητο κινηματογραφικό κίνημα. 

Η ταινία του Rossen δεν κέρδισε ποτέ μεγάλη εκτίμηση και η ταινία είχε σχεδόν ξεχαστεί από τη στιγμή που ο Oliver Stone κατάφερε να κάνει τη δική του, οικονομικά καταστροφική και αισθητικά σπασμένη άποψη για τον βασιλιά, με τον Μέγα Αλέξανδρο του 2004. Οι δύο ταινίες τείνουν να αντικατοπτρίζουν η μία τα σφάλματα της άλλης. Το ψύχραιμο, συγκρατημένο οπτικό ύφος του Rossen, που έχει συνεχώς και προσεκτικά επίγνωση της θέσης των ηθοποιών του σε σχέση με το τοπίο, είναι το αντίθετο από το μπαρόκ στυλιζαρισμένο θέαμα και την τρελή ενέργεια του Stone. Παρά τους πολύ μεγαλύτερους πόρους που είχε στη διάθεσή του ο Στόουν και την έλλειψη δεσμών λογοκρισίας και θεμάτων, το έργο του εξακολουθούσε να είναι λιγότερο κατανοητό από αυτό του Rossen. 

Η ιστορία του Αλέξανδρου και των δυνάμεων που εξαπέλυσε στην παγκόσμια ιστορία μπορεί κάλλιστα να είναι πολύ μεγάλη, πολύ σπασμωδική και πολύπλοκη, για να συμπεριληφθεί στις ωραίες του εμπορικού κινηματογράφου. Τόσο ο Rossen όσο και ο Stone απάντησαν στο πρόβλημα αναδημιουργώντας τον Αλέξανδρο με τη δική τους εικόνα. 

Στον ρόλο του Μέγα Αλέξανδρου ένας εξαίσιος Ρίτσαρντ Μπάρτον ο οποίος έδωσε την στιβαρότητα και σοβαρότητα που χρειαζόταν ο ρόλος αυτός καθώς και οπτικά ήταν καταπληκτικός. Εξίσου καλοί o Fredrich March και η Danielle Darrieux στον ρόλο του Φιλίππου και της Ολυμπιάδας αντίστοιχα.

Για τον ρόλο του Μέγα Αλέξανδρου η πρώτη επιλογή του σκηνοθέτη ήταν ο Charlton Heston. Η απόφαση να προσλάβει τον Richard Burton  επικρίθηκε αργότερα καθώς φαινόταν πολύ ηλικιωμένος για τον ρόλο, παρόλο που ήταν μόλις 29 ετών εκείνη την εποχή. Ο Αλέξανδρος, ο οποίος βασίλεψε από την ηλικία των 20 έως τον θάνατό του στα 32 του, υποτίθεται ότι ήταν έφηβος την πρώτη ώρα της ταινίας. 

Σε σενάριο, παραγωγή και σκηνοθεσία του βραβευμένου με Όσκαρ Robert Rossen και με την εξαιρετική Claire Bloom και ένα αξιόλογο καστ χιλιάδων, αυτό το εκπληκτικό πορτρέτο μιας από τις πιο συναρπαστικές φιγούρες της ιστορίας είναι μια κολοσσιαία ψυχαγωγία και ένα εκπληκτικό θέαμα.

 Στη σημερινή πλατεία Κοτζιά πριν από περίπου 80 χρόνια στεγαζόταν ένα από τα πιο επιβλητικά θέατρα της χώρας που μέσα σε μισό αιώνα πρόλαβε να χτιστεί, να εγκαινιαστεί και να κατεδαφιστεί. Η απόφαση για την κατασκευή του Δημοτικού Θεάτρου της Αθήνας πάρθηκε την εποχή του Όθωνα, ο οποίος με βασιλικό διάταγμα του 1857 ορίζει ως χώρο κατασκευής του τη γνωστή τότε ως «πλατεία του Λαού».

Το έργο, ωστόσο, μπλόκαρε και ξεκίνησε πάλι το 1873, οπότε ο τότε δήμαρχος της πόλης Παναγής Κυριακός θεμελίωσε για δεύτερη φορά το θέατρο. Τα σχέδια ήταν του διάσημου αρχιτέκτονα Ερνέστου Τσίλερ, όμως οι εργασίες σταμάτησαν ξανά λόγω υπέρβασης του προϋπολογισμού.

Έπρεπε να περάσουν 14 χρόνια μέχρι ο τραπεζίτης Ανδρέας Συγγρός να χρηματοδοτήσει τελικά την ολοκλήρωση του θεάτρου, το οποίο όλον αυτό τον καιρό έστεκε μισοτελειωμένο, με τις σκαλωσιές, στο κέντρο της πόλης.

Για την ανέγερσή του όμως έθεσε όρους: το ισόγειο να στεγάζει καταστήματα και στον πρώτο όροφο να υπάρχει κατάστημα της τράπεζάς του. Ο Ερνέστο Τσίλερ, ο οποίος επιθυμούσε διακαώς να ολοκληρωθεί το θέατρο, δέχτηκε τους όρους, οι οποίοι ωστόσο απέβησαν μοιραίοι για τη λειτουργία του.

Τα εγκαίνια έγιναν από τον βασιλιά Γεώργιο Α' τον Οκτώβριο του 1888, με το μελόδραμα «Minion» του γαλλικού θιάσου Lasalle - Charlet να ανοίγει την αυλαία σε ένα κατάμεστο θέατρο 1.500 θέσεων.

Τα επόμενα χρόνια η σκηνή του θεάτρου, άλλοτε δραματική και άλλοτε λυρική, φιλοξενεί έργα πρόζας, όπερες και από κει περνούν μερικά από τα μεγαλύτερα ονόματα της εποχής, όπως ο μετέπειτα ιμπρεσάριος Απόστολος Κονταράτος, η Σάρα Μπερνάρ, ο Νοβέλλι και η Ελεωνόρα Ντούζε.

Το θέατρο δημιούργησε κίνηση στην περιοχή, γι' αυτό σε μικρό χρονικό διάστημα άνοιξαν γύρω του καφενεία, εμπορικά καταστήματα και γραφεία

Σύμφωνα, ωστόσο, με μαρτυρίες ακόμη και του ίδιου του Ερνέστου Τσίλερ, ο οποίος στα απομνημονεύματά του αναφέρεται στη δυσκολία της συνεργασίας του με τον Ανδρέα Συγγρό και τις απαιτήσεις του, το κατά τον Τύπο της εποχής «καλλίτερον θέατρον της Ευρώπης» είναι ουσιαστικά ημιτελές, με μικρή θεατρική σκηνή, έλλειψη κεντρικής θέρμανσης και ξεπερασμένη τεχνολογία κατασκευής.

Τα πράγματα έγιναν χειρότερα όταν το 1901 άνοιξε το Εθνικό Θέατρο της Αγίου Κωνσταντίνου και οι θεατρόφιλοι μοιράζονταν ανάμεσα στις δύο πιάτσες.

Το απαξιωμένο, πια, θέατρο, ύστερα από αλλεπάλληλες λεηλασίες ληστών, μετά τη Μικρασιατική Καταστροφή αποφασίστηκε να λειτουργήσει ως κατάλυμα για 150 οικογένειες προσφύγων, οι οποίοι, λόγω της έλλειψης κεντρικής θέρμανσης, τον χειμώνα του 1922 και του 1923 έκαιγαν σκηνικά και έπιπλα που έβρισκαν εκεί για να ζεσταθούν.

Το 1927 έγιναν προσπάθειες ανακαίνισης, ωστόσο όλα τα ακριβά υλικά που αγοράστηκαν «έκαναν φτερά» ξανά, αφού μπήκαν κλέφτες στο κλειστό θέατρο και το καταλήστεψαν.

Δεκατρία χρόνια μετά, ο δήμαρχος της πόλης, Κώστας Κοτζιάς, γράφει την τελευταία σελίδα στην ιστορία του, δίνοντας εντολή για την κατεδάφισή του. Σήμερα, στην πλατεία που πήρε τελικά το όνομά του βρίσκεται η προτομή του για να θυμίζει κάτι από το ένδοξο παρελθόν της.

Πηγή: Lifo

 Ο «σερ» του ελληνικού πενταγράμμου («σερ Μπιθί» τον είχε αποκαλέσει σε ένα χρονογράφημά του ο Δημήτρης Ψαθάς) με τη δωρική φωνή του αγκάλιασε τη μεταπολεμική Ελλάδα, έδωσε το δικό της βάρος και τη δική της λαϊκότητα στα μεγάλα έργα του Μίκη Θεοδωράκη και έγινε ο καταλύτης για να φτάσουν οι στίχοι του Σεφέρη, του Ελύτη, του Ρίτσου και του Λειβαδίτη στις πιο απόμερες γωνιές της Ελλάδας.

Οι ερμηνείες του στα έργα του Μίκη Θεοδωράκη «Ο Επιτάφιος» («Πού πέταξε τ’ αγόρι μου», «Μέρα Μαγιού μου μίσεψες»), «Ρωμιοσύνη» («Θα σημάνουν οι καμπάνες») σε ποίηση Γιάννη Ρίτσου και «Άξιον εστί» («Της δικαιοσύνης ήλιε νοητέ», «Ένα το χελιδόνι») σε ποίηση Οδυσσέα Ελύτη σφράγισαν την παρουσία του στο ελληνικό τραγούδι και θεωρούνται αξεπέραστες.

Σημαντική στιγμή στη σπουδαία καριέρα του ήταν και η συνεργασία του με τον Μάνο Χατζιδάκι («Είμ’ αητός χωρίς φτερά», «Πάει ο καιρός», «Στο Λαύριο γίνεται χορός», «Μίλησέ μου» κ.ά.) και με συνθέτες όπως οι Σταύρος Ξαρχάκος («Άπονη ζωή», «Άσπρη μέρα και για μας»), Απόστολος Καλδάρας, Μάρκος Βαμβακάρης, Βασίλης Τσιτσάνης, Γιώργος Μητσάκης, Δήμος Μούτσης, Άκης Πάνου κ.ά.

Τον Ιανουάριο του 2003 ο Πρόεδρος της Δημοκρατίας Κωστής Στεφανόπουλος τού απένειμε τον Χρυσό Σταυρό του Τάγματος του Φοίνικα. Τιμώντας τον λαϊκό βάρδο, ο Κωστής Στεφανόπουλος είχε δηλώσει ότι ο Γρηγόρης Μπιθικώτσης ήταν «ένας σπουδαίος μουσικός που εξέφρασε τη δυστυχία και την ευτυχία, τον πόνο και τα βάσανα του ελληνικού λαού».

Ο Γρηγόρης Μπιθικώτσης πέθανε σε ηλικία 82 ετών, ύστερα από πολύμηνη νοσηλεία στο νοσοκομείο «Υγεία». Έκανε δύο γάμους και απέκτησε τρία παιδιά. Ο γιος του, Γρηγόρης Μπιθικώτσης, έγινε επίσης τραγουδιστής.

Πηγή:Fosonline

 Ταινίες που θα βάλουν σε «σκοτεινό» mood!

Οι ταινίες αυτές είναι για όσους θαυμάζουν τα μυστήρια πλάσματα της νύχτας!

Είσαι από αυτούς που πάντα τους μάγευαν αυτά τα μυστήρια πλάσματα της νύχτας; Ή μήπως σου αρέσει το splatter;

Ετοίμασε ποπ κορν άραξε στον καναπέ και ετοιμάσου να δεις τις παρακάτω ταινίες!

1.Interview with the Vampire .Ένας βρικόλακας, ο Louis (Brad Pitt), διηγείται σ`έναν νεαρό δημοσιογράφο την ιστορία της ζωής του ενώ ταυτόχρονα περιγράφει την περίεργη φύση του. Του εξιστορεί πως σε μια περίοδο όπου η απελπισία και οι τύψεις κυρίεψαν τη ζωή του συνάντησε τον βρικόλακα Lestat (Tom Cruise) ο οποίος του πρόσφερε την καταραμένη αθανασία. Μαζί άρχισαν το ταξίδι της ατελείωτης νύχτας και της αιώνιας ζωής.Από τη Λουϊζιάνα του 1791 θα ταξιδέψουν στη Νέα Ορλεάνη. Ο Louis δυσανασχετεί και θέλει ν`απαρνηθεί τη νέα του φύση.

2.Blade                                                                                                                          Ο Μπλέιντ, μισός άνθρωπος και μισός βρικόλακας, έχει αφιερώσει τη ζωή του στην εξόντωση των νεκροζώντανων. Η μητέρα του έπεσε θύμα βαμπίρ λίγο πριν τον φέρει στον κόσμο, ο Μπλέιντ πολεμά μέχρι να εξοντώσει και τον τελευταίο βρικόλακα. Κατ αυτόν τον τρόπο όμως μάχεται και την ίδια του τη φύση όντας ένα υβρίδιο νεκροζώντανου χωρίς παρόν και μέλλον.

3.Queen of the Damned. Ο Λεστάτ, ο θρυλικός βρικόλακας, σηκώνεται από τον τάφο του για να ανακαλύψει ότι ο κόσμος έχει αλλάξει. Θέλοντας να ξεφύγει από τις σκιές, που ανάμεσά τους για αιώνες περιπλανήθηκε, και να ζήσει ανάμεσα σε θνητούς, μεταμορφώνεται σε Ροκ Σταρ. Η γοητεία της μουσικής του ξυπνάει την Ακάσα (Αλάια), μητέρα όλων των βρικολάκων, η οποία αναπαύεται εδώ και αιώνες στην κρύπτη της. Στο πρόσωπο του Λεστάτ, η Βασίλισσα, βλέπει το ιδανικό της ταίρι, σύντροφο στην προσπάθειά της να μετατρέψει τη Γη σε φλεγόμενη Κόλαση.

4.Dracula Untold. Βρισκόμαστε στο 1462. Η Τρανσυλβανία απολαμβάνει παρατεταμένη περίοδο ειρήνης υπό τη βασιλεία του Βλαντ ΙΙΙ και της συζύγου του, Μιρένα, οι οποίοι μεριμνούν ώστε οι υπήκοοί τους να ζουν προστατευμένοι από τους εχθρούς και ειδικότερα τους Τούρκους που επεκτείνονταν επικίνδυνα, κατακτώντας όποια εδάφη έβρισκαν στο πέρασμά τους. Όταν ο Σουλτάνος Μεμέτ ο ΙΙ απαιτεί 100 παιδιά για το στρατό των γενιτσάρων του, ο Βλαντ καλείται να αποφασίσει αν θα ακολουθήσει το παράδειγμα του πατέρα του και να παραδώσει το γιο του στο σουλτάνο ή αν θα απευθυνθεί σε ένα τέρας, ώστε να νικήσει τους Τούρκους, χάνοντας όμως την ψυχή του.

5.Daybreakers.Το 2017, ένας ιός έχει μεταμορφώσει τους ανθρώπους σε βρικόλακες. Καθώς, όμως, οι βρικόλακες πληθαίνουν, οι προμήθειες σε αίμα όλο και λιγοστεύουν. Η νέα φυλή θα πρέπει να αντιμετωπίσει αυτό το πρόβλημα, ενώ την ίδια στιγμή ένας ερευνητής δουλεύει με μια ομάδα βρικολάκων με σκοπό να σώσει την ανθρωπότητα.Όχι, δεν έχουμε ακόμα μια βρικολακίσια παραλλαγή με μόνο γνώμονα το θέαμα. Ευτυχώς, γιατί είχε καταντήσει ασύστολη η υποστολή του βαμπιρικού μύθου. Πρόκειται για μια παραβολή πάνω στο σημερινό σύστημα που διοικεί τα πάντα κι αν την φιλοσοφήσεις ως πρόταση, έχεις μόνο κέρδος. Η ταινία, δηλαδή, είναι ένα αριστούργημα τρόμου; Ούτε από απόσταση! Υπάρχουν τρομερά μειονεκτήματα που εξαντλούν την όλη παραβολή μέσα σε ένα αρχικό πεντάλεπτο ταινίας (με μια μικρή βοήθεια από το φινάλε) και κάνουν όλη την υπόλοιπη απλά ανεκτή. Είναι, ακόμα απλούστερα, ένα πιο σοβαρά γυρισμένο Demolition Man…

Πηγη- neolaia.gr

 John Landis.Από την ηλικία των 8 ήξερε τι ήθελε να γίνει.Η αφορμή ήταν όταν παρακολούθησε στόν κινηματογράφο  το  The 7th Voyage of Sinbad που τον ενέπνευσε να γίνει σκηνοθέτης.Έχουμε καταστραφεί στα γέλια με το «Animal House» και το αναρχικο αριστούργημα των «Blues Brothers», τρομάξαμε, σχεδόν τρυφερά, με το homage του στο κλασικό  «An American Werewolf in london», συμβόλισε την ποπ κουλτούρα με το βιντεοκλίπ του «Thriller». Ο John Landis, όταν ήταν στη μεγάλη του δόξα, ήταν ένας πολύ-πολύ ωραίος σκηνοθέτης. Γεννήθηκε σε μια εβραϊκή οικογένεια στο Σικάγο,   γιος της Shirley Levine  και του Marshall Landis

Ο Landis ξεκίνησε την καριέρα του ως κινηματογραφιστής στο 20th Century Fox . Εργάστηκε  ως βοηθός σκηνοθέτη κατά τη διάρκεια τών  γυρισμάτων  τού Kelly's Heroes τής  MGM στη Γιουγκοσλαβία το 1969.Το 1978 ο Landis σκηνοθέτησε την πρώτη του ταινία για το Universal Studios , το National Lampoon's Animal House , το οποίο ήταν οικονομικά επιτυχημένο, κερδίζοντας πάνω από 120 εκατομμύρια δολάρια, στην εγχώρια αγορά, στο box office. Το 1980 γράφει και σκηνοθετεί το The Blues Brothers , μια κωμωδία με τον John Belushi και τον Dan Aykroyd .Το 1981, ο Landis έγραψε και σκηνοθέτησε μια άλλη κινηματογραφική ταινία , την κωμωδία-τρόμου Ένας Αμερικανός Λυκάνθρωπος στο Λονδίνο . Ήταν ίσως το πιο προσωπικό έργο του Landis. Είχε σχεδιάσει να το κάνει από το 1969, ενώ ήταν στη Γιουγκοσλαβία. Το 1994, ο Landis σκηνοθέτησε τον Eddie Murphy στο Beverly Hills Cop III . Είχαν προηγουμένως συνεργαστεί στα  Trading Places και Coming to America. Έχει σκηνοθετήσει πολλά μουσικά βίντεο. Τον πλησίασε ο Michael Jackson για να κάνει ένα βίντεο για το τραγούδι του " Thriller ".  Το βίντεο που προέκυψε επηρέασε σημαντικά το MTV και την έννοια των μουσικών βίντεο. Έχει κερδίσει πολλά βραβεία, συμπεριλαμβανομένου του βραβείου Video Vanguard για το μεγαλύτερο βίντεο στην ιστορία του κόσμου. Ο Landis έχει δραστηριοποιηθεί στην τηλεόραση ως εκτελεστικός παραγωγός  τών σειρών  Dream On (1990), Weird Science (1994), Sliders (1995), Honey, I Shrunk the Kids: The TV Show (1997), Campus Cops (1995), Sir Arthur Conan Doyle's The Lost World (1998), Masters of Horror, και διάφορα επεισόδια του  Psych.Είναι παντρεμένος με την Deborah Nadoolman , σχεδιάστρια κοστουμιών και έχουν δύο παιδιά: τον Max ,  σεναριογράφο και σκηνοθέτη  και την Rachel, παιδαγωγό.